CMoG Designa Nuevo Curador Contemporáneo y Anuncia Importantes Adquisiciones
En Marzo pasado, el Museo Corning de Arte en Cristal (CMoG) marcó el primer aniversario de su Sala de Arte y Diseño Contemporáneo, la cual ha dado la bienvenida a más de 460,000 visitantes desde su apertura el 20 de Marzo del 2015. La extensión de 9,290.3 metros cuadrados, totalmente financiada por Corning Incorporated, es el espacio más extenso en el mundo dedicado a la exhibición y creación de obras de arte y diseño contemporáneo en cristal, y cuenta con 2,415.4 metros cuadrados de espacios de galerías e instalaciones para 500 asientos para demostraciones de cristal en vivo. Diseñada por el estudio Thomas Phifer and Partners, la sala es sede de las obras creadas desde 1990 por artistas que han desafiado los límites de las posibilidades del cristal.
En el marco de la celebración del aniversario, el Museo anunció importantes adquisiciones creadas por los Campana Brothers, Karen LaMonte, y Geoffrey Mann, a ser instaladas en los meses por venir. Estas nuevas obras servirán para diversificar aún más su colección contemporánea en expansión, la cual actualmente incluye más de 70 obras de arte de la colección permanente del Museo creadas por aclamados artistas contemporáneos y diseñadores tales como Fred Wilson, Liza Lou, Kiki Smith, y Danny Lane.
“La inauguración de la Sala de Arte y Diseño Contemporáneo fue un momento crucial para el Museo,” comentó la Dr. Karol Wight, presidente y directora ejecutiva del CMoG. “CMoG es sede de 3,500 años de cristal, el cual proporciona una rara oportunidad para experimentar la historia completa y compleja sobre el medio, apreciar su aplicación como un medio artístico, presenciar y participar en su creación todo en un sólo lugar. Los artistas contemporáneos están llevando al cristal a una escala totalmente nueva, y nuestra nueva sala nos permite exhibir estas obras monumentales en una atmósfera de observación ideal.”
En Febrero pasado, el Museo anunció la designación de Susie Silbert como su nueva curadora de cristal moderno y contemporáneo. Silbert asumió el puesto en Abril y supervisa la progamación futura para las nuevas cinco galerías de la sala, así como de las galerías Ben W. Heineman Sr. Family Gallery of Contemporary Glass y de la Modern Glass gallery. Ella continuará expandiendo la colección de cristal del Museo desde el periodo de 1900 hasta el presente. La designación de Silbert siguió a la jubilación de Tina Oldknow, quién supervisó esta colección en el periodo 2000-2015.
“Susie aportará una visión invaluable a nuestra colección de cristal moderno y contemporáneo, a través de su visión curatorial única y profunda comprensión del cristal como medio de expresión,” comentó Wight. “Esperamos las futuras exploraciones del arte contemporáneo en cristal que ella inspirará.”
La Sala de Arte y Diseño Contemporáneo ofrece una experiencia de visualización única a través de su diseño, las obras en exhibición, y de su interpretación curatorial. Phifer diseñó muros blancos curvos que llaman la atención del observador a través de las galerías para encontrar juxtaposiciones visuales dinámicas, aprovechando la naturaleza independiente de la mayoría de las obras en exhibición. Los visitantes también cuentan con la rara oportunidad de experimentar el cristal en en entorno de iluminación natural a través de un sistema complejo de domos que se sustentan sobre vigas de concreto que permiten una iluminación difusa uniforme a través de los espacios de las galerías. Phifer fue recientemente galardonado con el Premio AIANY Design Award por el diseño de la sala, el cual premia a proyectos diseñados por miembros de la sección de Nueva York del American Institute of Architects (AIA).
En Febrero, el edificio obtuvo una Certificación LEED Silver, un galardón creado por el U.S. Green Building Council, el cual reconoce las prácticas y el diseño de edificaciones ecológicas. La certificación del Museo estuvo basada en la eficiencia energética y sobre los recursos hídricos del edificio y su reducción en la emisión de gases de efecto invernadero. Una característica única de su diseño sostenible es el sistema de iluminación de las galerías. La visión de Phifer de un edificio iluminado naturalmente y del deseo de la eficiencia energética requirió una transición a la iluminación LED, la cual reduce la utilización de energía de la sala por concepto de iliminación en un 76 por ciento. El nuevo sistema de iluminación LED SORAA proporciona una luz más clara y viva que se integra perfectamente con el sistema de iluminación natural de las galerías.
GlassApp, una web app que permite a los visitantes interactuar con los objetos en exhibición, fue presentada con la inauguración de la Sala de Arte y Diseño Contemporáneo. Ofreciendo información sobre más de 70 objetos, la GlassApp incluye videos, biografías de los artistas, copia de etiquetas, e imágenes para mejorar la experiencia de los visitantes en el espacio al destacar las conversaciones actuales sobre las obras de arte, las artes, y el diseño. GlasaApp es accesible en teléfonos móviles y tablets, así como también en computadoras de escritorio, y exhorta a los usuarios a compartir sus propias experiencias por medio de publicaciones en las redes sociales, las cuales son transmitidas en las pantallas de las galerías. En su primer año, 56,250 usuarios de 112 países accedieron a la GlassApp.
El Anfiteatro Hot Shop complementa la experiencia de observación contemporánea. Ubicado en el interior del edificio renovado de la fábrica Steuben Glass, el nuevo taller cuenta con 500 asientos, con un balcón que abarca todo el perímetro, ofreciendo a los visitantes una vista de 360 grados. El espacio ha permitido al Museo agregar un programa importante a sus populares Demos Hot Glass, incluyendo shows extendidos.
Con la apertura del nuevo Anfiteatro, el Museo lanzó la Serie de Artistas Invitados, en el cual artistas reconocidos y nuevos talentos para el medio son invitados a utilizar el Anfiteatro como una incubadora para la creatividad y la innovación; un espacio en el cual ellos pueden utilizar los recursos sin paralelo del museo y al personal para profundizar sobre su obra. En su primer año, el Anfiteatro fue anfitrión del artista y diseñador originario de Suecia Bertil Vallien, al orfebre Virgil Ortiz, al escultor de metal Albert Paley, y al artista del cristal al estilo Veneciano James Mongrain. Los próximos artistas invitados incluyen al maestro Italiano Lino Tagliapietra, quien es ampliamente reconocido como el mejor artista viviente del cristal, y los artistas del cristal Toots Zynsky. Tagliapietra participaron en las festividades de inauguración de la Sala y regresarán el próximo 5 – 8 de Junio. Después de la obra de Tagliapietra en el taller, Corning organizará la 45 conferencia anual de la Sociedad del Arte en Cristal del 9 al 11 de Junio, con muchas de las actividades desarrollándose en el Museo.
Sobre las Recientes Adquisiciones
Campana Brothers, Sphere Chandelier, Candy Collection, 2015
En 1983, Fernando y Humberto Campana fundaron el Estudio Campana en la ciudad de São Paulo, Brasil. Su obra creativa cuyo objetivo es transformar los materiales cotidianos en obras de arte. Inspirados por la vida de las calles de Brasil y la cultura del carnaval, los Campanas iniciaron su práctica al crear mobiliario con chatarra y productos de desecho tales como el cartón, tela y desechos de madera, tubos de plástico, juguetes de peluche, y cables de aluminio, aplicando sus técnicas artesanales y materiales humildes a nuevos contextos a través de la transformación y de la reinvención.
El Museo comisionó el Candelabro Sphere Chandelier de su colección Candy Collection y, hace unas semanas, fue instalado en el Galería de Diseño Contemporáneo. El candelabro fue diseñado por los Campanas y fabricado por Lasvit, un fabricante de cristal de la República Checa especializado en diseño personalizado de gama alta para mobiliario, diseño de interiores, y arquitectura. Hecho de cristal incoloro, el candelabro es de molde soplado y revestido con una caña de cristal de colores brillantes con aplicación térmica. El cristal ha fascinado a los Campanas desde su infancia, y la colección Candy Collection fue inspirada por los dulces coloridos que se venden en los mercados populares en Brasil y la forma en que el cristal de colores parece fundirse como el dulce, el cual ellos observaron durante su primera visita a Lasvit. La obra se basa en los temas coloridos de la serie “Sushi” de los hermanos.
El Candelabro Sphere Chandelier es el primer diseño de los Campanas en ingresar a la colección del Museo y es el primer ejemplo de la Sala de Diseño y Arte Contemporáneo del diseño Brasileño.
Los hermanos Campana cuentan con una relación en marcha con el Museo y fueron artistas invitados en el inaugural GlassLab del Museo durante el evento Design Miami en el año 2007. GlassLab es un estudio para la creación de cristal móvil que proporciona a los diseñadores con un raro acceso para explorar los conceptos en cristal. Tanto en eventos artísticos públicos y talleres privados, los diseñadores y creadores del cristal colaboran para rápidamente diseñar prototipos conceptuales de diseño utilizando la urgencia del cristal caliente como un catalizador para la innovación.
Karen LaMonte, Nocturne 5, 2015
La artista Americana del cirstal contemporáneo Karen LaMonte explora la figura femenina en su obra para analizar cómo la vestimenta es una mediación entre el ser y el mundo exterior. La primera artista Americana en trabajar con fundidoras de cristal en Železný Brod utilizando colado monumental de cristal, LaMonde crea arte figurativo mediante un proceso a la cera perdida, el cual es capaz de lograr grandes detalles. Trabajando típicamente con cristal incoloro translúcido, LaMonte destaca la ausencia del cuerpo detrás del vestido. Nocturne 5 es más oscuro en color y en sentimiento en comparación con su obra previa, y representa a una figura femenina de pié a tamaño real envuelta en cortinas con tonos degradados que traén a la mente la puesta del sol y que obtiene su inspiración de las antiguas figuras de terracota Griegas de Tanagra.
Nocturne 5 fue colada en tres piezas que se unen en la cintura y rodillas de la figura. El cristal en sí es una nueva fórmula desarrollada por LaMonte para lograr su grado deseado de color y densidad que hacen referencia al anochecer y a la atmósfera nocturna. Nocturne 5 fue concebida y creada utilizando el proceso único de fabricación de LaMonte. LaMonte crea su obra en diversas etapas. Ella inicia tomando un molde de un modelo en vivo, el cual es utilizado para realizar la impresión del cuerpo subyacente. Ella completa la composición utilizando cortinas las cuales definen la figura ahora ausente.
Ella utiliza un proceso de colado a la cera perdida para crear la escultura final en cristal. Moldes de caucho del cuerpo ausente vestido son utilizados para crear un positivo en cera, entonces un molde de yeso y sílice es formado alrededor de la cera. Una vez seco y estable, la cera es derretida fuera del molde. El cristal en frio es apilado sobre el molde y el horno se enciende al punto de fusión, antes de ser enfriado lentamente. El recocido de las piezas de la obra Nocturne 5 requirieron ocho semanas. Una vez totalmente recocidas, el molde es removido del cristal. Los puntos ásperos son afinados, y toda la escultura es terminada con un proceso de sandblasting y púlida con ácido.
Nocturne 5 será la tercera obra creada por LaMonte en la colección del Museo. Cuando se consideran en su conjunto, demuestran su progresión como una artista y de su técnica durante los pasados 20 años. En particular, Nocturne 5 cuenta con líneas más nítidas semi-opacas que en su obra previa. En el futuro, el Museo planea exhibir la obra Nocturne 5 junto con la obra Evening Dress with Shawl (2004) para inspirar una discusión sobre la concepciones de belleza y de la figura femenina, arte y artesanía, y el poder de la luz y la sombra en el cristal. LaMonte comentó que ella podría imaginar las obras instaladas conjuntamente, documentándose entre sí e inseparables como el día y la noche.
Geoffrey Mann, Cross-fire, 2015
Geoffrey Mann es un artista y diseñador Escocés cuya obra desafía los límites del arte, lo artesanal, y el diseño. Crea modelos para sus objetos utilizando tecnologías digitales, para después, sus objetos ser creados por artesanos utilizando técnicas tradicionales. Su obra está basada en las observaciones del tiempo y del movimiento, y representa los fenómenos naturales invisibles para explorar los efectos del sonido y de la luz sobre los objetos. Sus diseños de vajillas y esculturas son conceptualmente y físicamente únicos, para documentar los momentos e incidentes que pasan.
Entre estos diseños innovadores en su serie de obras de arte Cross-fire que son tanto estéticamente sofisticados y tecnológicamente innovadores. Hechos de cristal de borosilicato que es trabajado a la flama, Cross-fire está inspirado por el mapeo de las ondas del sonido del filme de 1999 American Beauty. Utilizando prototipos rápidos, Mann creó sus modelos para ilustrar las ondas de sonido del argumento entre los personajes de Lester Burnham y su esposa en la medida que rebotan hacia delante y hacia atrás sobre la mesa, alterando los platos de cerámica, vasos, y los cubiertos de plata, transformando la copa de vino y la jarra de formas símples, modernas en formas sumamente irregulares. La copa de vino y la jarra de la serie Cross-fire fueron diseñadas en el año 2010 y fabricadas en el 2015. La jarra y la tapadera, inspiradas por la animación Cross-fire, fueron diseñadas y fabricadas en el 2015. Los objetos son acompañados por fotografías/animaciones de 360°, los cuales el Museo presentará en su sitio web. Los objetos de cristal fueron creados con la asistencia de John Liddell, un soplador de vidrio científico, y las animaciones fueron creadas con la asistencia del diseñador Chris LaBrooy. Esta es la primera obra creada por Mann en ingresar en la colección del Museo.
Para mayores informes, por favor visitar: www.cmog.org
Photo credits: © Iwan Baan, © Martin Polak, © Karen LaMonte and © The Corning Museum of Glass
Information and photographs courtesy of:
Kim Thompson
Public Relations Specialist
The Corning Museum of Glass
www.cmog.org
Sobre The Museum Corning of Glass
El Museo Corning de Arte en Cristal es sede de la colección de cristal más importante del mundo, que incluye los mejores ejemplos sobre las creaciones de cristal que abarcan 3,500 años. Demostraciones de cristal soplado en vivo (ofrecidas al Museo, itinerantes, y en el mar en Cruceros para Celebridades) traén el material a la vida. Diariamente las experiencias Make Your Own Glass en el Museo permiten a los visitantes crear obras en su taller de creación de cristal de vanguardia. El campus en el Museo Corning incluye una escuela durante todo el año, El Estudio, y la Biblioteca de Investigación Rakow, la colección por excelencia de materiales sobre el arte y la historia del cristal. Localizado en el centro del Condado Finger Lakes Wine Country del Estado de Nueva York, el Museo está abierto diariamente, todo el año. Niños y adolescentes, menores de 17 años, reciben acceso gratuito.
El Museo recientemente abrió una nueva Sala de Diseño y Arte Contemporáneo de 9,290.3 metros cuadrados, diesñada por el arquitecto Thomas Phifer. La nueva sala incluye un nuevo edificio para una galería de arte contemporáneo de 2,415.4 metros cuadrados, así como también una de las instalaciones más extensas para demostraciones de cristal soplado y sesiones de diseño de cristal en vivo www.cmog.org.
